Чтобы продать диски певцы ездили на гастроли и двадцать лет назад. Однако наше время сделало концертный бизнес гораздо привлекательнее. Во всем мире продажи компакт-дисков неуклонно падают из-за масштабных пиратских загрузок музыки из Интернета. Согласно данным, опубликованным в журнале «Billboard» мировые продажи билетов на концерты, которые достигали 1,4 млрд. евро в 2000 году, в 2009 году выросли более чем в два раза, а продажи дисков за тот же период упали на 65%.

Поэтому музыкантам приходится искать другой источник прибыли, чтобы компенсировать снижение доходов. Этим источником является участие в больших музыкальных фестивалях с параллельной продажей дисков, которые во время концертов быстро раскупаются. Большие фестивали обеспечивают музыкантам гарантированную прибыль. Рост доходов от концертов настолько значителен, что даже певица такого уровня, как Мадонна рассталась со своей традиционной студией звукозаписи «Warner Music», чтобы подписать эксклюзивный договор с «Live Nation» — крупнейшим в мире организатором концертов.

Один из крупнейших фестивалей «Rock in Rio» (Рок в Рио) был учрежден в 1985 году в Бразилии, а проводится в разных странах. В этом году фестиваль проходил в Испании, длился 10 дней и собрал 320 000 зрителей, что на 30 000 больше, чем в 2008 году. На фестиваль съехались мировые звезды — Рианна, Шакира, Майли Сайрус, «Bon Jovi», «Metallica».

Чтобы постоянно привлекать всё больше зрителей, крупные фестивали увеличивают количество развлечений, чтобы сделать свой парк аттракционов как можно более обширным и разнообразным. Занимающий площадь в 200 000 метров квадратных «город рока», как его окрестили организаторы, ориентируется главным образом на людей семейных. Поэтому он предлагает своей публике колесо обозрения, аттракционы, рестораны, сувенирные лавки и фейерверки. Крупный испанский супермаркет каждый день проводит на фестивале дефиле мод, на котором участники могут побыть в роли манекенщиков.

Входной билет стоит 69 евро. Желающие слушать концерты в капители со специальным температурным режимом, а потом попасть за кулисы могут купить вип-билет, за который придется выложить 275 евро. Участники фестиваля признают, что это дороговато. Но ведь фестиваль не просто концерт — это большой праздник. А на праздник денег не жалко!

Этим вопросом особо обеспокоен директор парижского Ситэ-де ля мюзик Лоран Бейль (Laurent Bayle), который тестирует новую модель образования, рассчитанную на молодежь. В возглавляемом им заведении идёт работа над новыми методиками, позволяющими игровое и интерактивное обучение. Этномузыковед Симха Аром (Simha Arom) использует специальную программу, с помощью которой можно записывать произведение, разделяя инструменты. Ребенок может нажать на кларнет, чтобы услышать только его партию или на два инструмента, чтобы услышать только их дуэт. С таким оборудованием учителю уже не придется стоять возле каждого ребенка.

Недавно было проведено исследование, изучавшее приобщение к классике в цифровую эпоху. Оно показало, что если молодой человек не знает классики до 15 лет, то потом он её уже никогда не слушает. Эту ситуацию нужно менять. Но как?

Ко всему, что передается детям от 5 до 15 лет, нужно подходить как к высшему изобретательству, как к магии. Они должны сотрудничать не только с педагогом, но и с музыкантами оркестра. Одним словом, преподавание не должно быть насильственным и мучительным. Учеба должна приносить удовольствие, поэтому предлагается обойтись без сольфеджио — самой трудной проблемы обучения, а именно оно является критерием отбора во многих консерваториях при нехватке мест.

В этом году при Ситэ-де ля мюзик в качестве эксперимента, рассчитанного на три года, был создан молодёжный оркестр «Demos». В работе его создатели отталкиваются от двух постулатов: как в случае с изучением языков, преподавание музыки должно идти через имитацию. Дети поют музыкальную фразу, потом играют её и пытаются делать это как можно дольше, чтобы жест закрепился в них. Повторяя его, дети осознают, что можно превзойти самого себя и достичь чего-то теоретически недостижимого. Коллективное обучение часто заменяется индивидуальным, чтобы ученик получал удовольствие от результата через упражнения и прослушивания. Дети, которые захотят пойти дальше, обязательно займутся сольфеджио, другие же просто почувствуют вкус любительской игры.

Многие поддерживают господина Бейля в его стремлении оставить в стороне старые методы и тем самым подарить молодежи удовольствие от музыки. Но это только начало больших перемен. Неоценимым подспорьем в реализации задуманного может и должно стать радио, которое слушает вся молодежь. Именно радио могло бы познакомить их с творчеством великих композиторов, музыка которых вдохновляет современных исполнителей. Перед прослушиванием оригинала можно объяснять им, какая группа взяла за основу ту или иную музыкальную фразу, а затем ставить композицию этой группы. Нет сомнений в том, что такие передачи станут для молодых людей увлекательной игрой.

Ученые выяснили, что огромные магнитные петли, известные как петли кроны, которые образуются далеко от внешнего слоя солнечной атмосферы, вибрируют подобно струнам на музыкальном инструменте. Или же ведут себя как звуковые волны в духовом инструменте.

Петли кроны, как полагают, приводят к образованию солнечных вспышек, которые выбрасывают в космос высоко заряженные частицы, создавая явление, известное как космическая погода. Когда солнечная активность и, таким образом, генерация вспышек, возрастает, образующийся «космический шторм» может привести к катастрофическим последствиям на земле, разрушая электронное оборудование, перегревая энергосистемы и повреждая спутники.

Руководитель группы по исследованию Солнца в Шеффилдском университете профессор Робертус фон Фай-Зибенбюрген (Robertus von Fаy-Siebenburgen) сказал, что впервые услышать шумы от такого большого и сильного источника было удивительно красиво и захватывающе. Эти звуки можно назвать своего рода музыкой, поскольку в них есть гармония. Исследователи обнаружили, что благодаря взрывным волнам от вспышек на поверхности Солнца петли кроны вибрируют как из стороны в сторону, подобно гитарным струнам, так и взад-вперед, как воздух в духовом инструменте.

Ученые не смогли напрямую записать звук, производимый в атмосфере Солнца, поскольку звук не может проникнуть сквозь космический вакуум. Поэтому они использовали сделанные со спутника изображения магнитных петель, которые могут быть более чем 60 000 миль длиной. Превращая видимые колебания в шумы и ускоряя частоту вибрации петель кроны, чтобы сделать их слышимыми для человеческого уха, ученые смогли воссоздать звук на земле.

Проделанная работа позволит ученым найти ещё один способ постижения Солнца и дать новое понимание физики в его внешних слоях, где температуры достигают миллионов градусов. Также изучение «музыки солнца» обеспечит новые способы понять и предсказать солнечные вспышки прежде, чем они случатся.

До сих пор покупают по 4 000 дисков в неделю с фильмом «Концерт». Никогда Чайковский не был так востребован. Продавцы говорят об огромном количестве людей, которые просят полное собрание его концертов. Запасы звукозаписей стремительно тают! Ажиотаж не ограничивается одним диском: «Концерт» привлек внимание ко всей дискографии композитора. Такое случается крайне редко.

Главный герой фильма Алексей Гуськов в одном из интервью признался, что во время съемок открыл для себя совершенно удивительный мир классической музыки. Также фильм дал ему возможность узнать, в чем отличие между русской и западной дирижерскими школами.

Повальное увлечение Чайковским напрямую связано с успехом фильма. Две минуты классической музыки в суперпопулярном фильме имеют в тысячу раз больше шансов повысить продажи произведений композитора, чем полностью посвященный ему фильм, который не идет в кинотеатрах. А если музыка является неотъемлемой частью сценария, как в случае с «Концертом», да ещё и фильм имеет успех, то это вообще идеальный случай. Композитор Арман Амар, написавший саундтрек к фильму, отметил, что в маленьких магазинчиках пригородов бойко идёт торговля пиратскими записями произведений Чайковского.

В ожидании биографического фильма Стефена Фрая на музыку Генделя, обещанного к 2011 году, сейчас в кинотеатрах идут два фильма, посвященные Моцарту: «Наннерл, сестра Моцарта» Рене Фере и «Дон Жуан, рождение оперы» Карлоса Сора. Удастся ли им сделать для австрийского композитора то же, что сделал «Концерт» для Чайковского? Твердой уверенности в этом нет. Между искусством кино и классической музыкой долгая история, неожиданные повороты которой трудно предугадать.

Классика сумела извлечь выгоду из своего использования в кино в разных жанрах: мультфильм, комедия, научная фантастика, военный фильм, авторское кино. Во всех случаях «удавшаяся» постановка — это дело рук великих режиссеров, которые сознательно используют то или иное произведение, чтобы усилить определенный эпизод. Как правило, это удается меломанам, таким как Стенли Кубрик, Вуди Ален и Мишель Девиль.

Для музыкантов, которые исполняют музыку к фильмам, это возможность стать знаменитыми. Известность Жорди Саваля вспыхнула после фильма «Все утра мира», а Сара Немтану, которая исполняет музыку в «Концерте», уже отмечена Fnac в номинации «Внимание — Талант».

Сила кино так велика, что судии звукозаписи тщательно следят за фильмами, которые только находятся в производстве. И не теряют бдительности в том, что касается качества полного метра. Студия «Naïve», каталог которой нацелен на издание полного собрания произведений Вивальди, после просмотра биографического фильма Жана-Луи Гийерму «Вивальди, принц Венеции», отказалась от сотрудничества. И действительно, фильм стал самым большим провалом 2007 года, его посмотрели менее 30 000 зрителей.

Профессор из Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе Даниэль Блюмштейн (Daniel Blumstein) и композитор Питер Кэй (Peter Kaye) из Кингстонского университета (Лондон) изучили саундтреки к 102 наиболее популярным фильмам всех жанров, а также спецэффекты и крики.

Исследование показало, что фильмы ужасов наполнены пронзительными криками женщин, а приключенческие фильмы — мужчин. Также в фильмах ужасов широко используются «нелинейные» звуки, которые особенно заинтересовали ученых.
Это неожиданные, нестройные и резкие звуки, которые имитируют крики испуганных животных. Это крики страха, которые животные издают при нападении хищников. Исследователи пришли к выводу, что использование нелинейных звуков не случайно, а имеет конкретную цель — увеличить эмоциональное воздействие сцен. Приправляя фильмы ужасов такими шумами, кинопроизводители вызывают у зрителя глубокие, инстинктивные страхи. В драматических фильмах, напротив, было меньше, чем в фильмах других жанров, криков и вообще звуков.

Некоторые фильмы «хоррор», состоя из сплошных штампов и сцен кровопролития, совсем не вызывают страха. Какой бы жуткой при этом ни была музыка, она не производит должного эффекта из-за отсутствия приличного сюжета. Иногда более страшной может быть тишина. Тишина, если её правильно использовать, может стать самым сильным «звуком», способным напугать аудиторию.

Звук, который издаёт человек, задыхающийся от ужаса, может гораздо сильнее вызывать страх, чем плохая музыка, которую вы много раз слышали раньше. Простое использование «внезапных» звуков может заставить зрителя подскочить, но это не значит, что у него возникнет желание купить музыку к кинофильму.

Вывод исследователей вполне логичен: нормальные мелодии, эмбиентные и естественные звуки, и, конечно, тишина во много раз лучше тактики «шокирующего ужаса», которую используют очень многие кинопроизводители.

Этим альбомом композитор хочет доказать, что система нотной записи существовала задолго до XI века — времени своего появления на Западе. Малек Жандали уверяет, что записанная на этой табличке партитура хотя и отличается от современных, наглядно доказывает существование в ту эпоху теории музыки. Это подтверждается работами археологов и музыковедов, в частности, американкой Анной Килмер.

Дощечка была найдена археологической французской миссией в городе Угарит, который находится на северо-западном побережье Сирии, ещё в 1948 году. Транскрипции представляют собой текст религиозного гимна на языке хурри, обращенного к богине от имени женщины, желающей иметь детей. Относящийся к Позднему Бронзовому веку текст от музыкальных символов отделяют две параллельные линии. Дощечка показывает упрощенный вариант теории музыки: слова, музыка, условные обозначения и правила настройки музыкального инструмента (лиры).

Предыдущие работы музыковедов свидетельствуют о том, что в Угарите были обнаружены другие таблички, объясняющие, как дешифровать эти символы. При попытке дешифровки появилось несколько гипотез. Одни ученые истолковали символы как мелодию и музыкальные знаки, другие — как паузы и ритмы. Жандали собрал все имеющиеся по этой теме материалы, четыре года изучал их и пришел к выводу, что в результате каждой попытки дешифровки получалась другая мелодия. Тогда он взял все, что было общим для всех вариантов, и сделал переложение оригинальной партитуры для пианино. В конце произведения звучит арфа — вместо лиры из «угаритской» истории.

Сирийский композитор убежден, что во времена Угарита музыканты не ограничивались игрой на музыкальных инструментах, а внедряли теорию музыки, применимую ко всем жанрам. Он предлагает взять это на вооружение, чтобы записать ритм в Макам — традиционных музыкальных системах Востока.

Малек Жандали родился в 1972 году в Германии, музыкальное образование получал в Сирии и США. Свой альбом записал с Русским филармоническим оркестром.

На фабрике работают пятнадцать мастеров, с особой тщательностью изготавливая все детали пианино. Арт-директор «Плейеля» Арно Марион сетует, что уже 250 лет пианино не может похвастаться оригинальностью формы. Его черный, похоронный вид обращен к прошлому. А ведь за столько лет интерьеры сильно изменились. Поэтому, для того чтобы пианино смотрелось в них органично, инструмент просто необходимо модернизировать.

Среди последних творений «Плейеля» особенно радует глаз лакированный рояль коричнево-баклажанного цвета с прозрачными ножками, разработанный дизайнером Хилтоном МакКоннико (Hilton McConnico). Стоит это пианино 95 000 евро.

Это средняя цена, которую предлагает фирма «Плейель» с той поры, как изменила свою политику, больше не стремясь конкурировать с китайцами по количеству выпускаемых инструментов.

Китайцы и корейцы, производящие 80% всех пианино в мире, предлагают свои инструменты по цене от 2 000 евро. Количество продаваемых инструментов снизилось в последнее время. Например, во Франции в 1980-х годах ежегодно продавалось 45 000 новых пианино, сегодня же только 8 000.

Чтобы выжить в условиях конкуренции и кризиса, фирме «Плейель» пришлось изменить свои привычки. В 2007 году она вернулась из города Алес в пригород Парижа Сен-Дени, где находилась на протяжении 100 лет — с 1865 года.

Объем продукции был сокращен с 1 700 пианино, произведенных в 2000 году до всего лишь 25 штук. Производя инструменты в столь ограниченном количестве, фирма делает ставку на изысканность, обращаясь к дизайнерам.

В результате предпринятых преобразований, дела на фабрике пошли лучше, даже несмотря на то, что в прошлом году из-за пожара производство музыкальных инструментов на несколько месяцев было приостановлено.

Основными клиентами фирмы являются меломаны, профессиональные музыканты, просто любители, а также те, кто желает приобрести качественный и одновременно эксклюзивный инструмент. Так, один владелец яхты заказал для своего судна пианино из эбенового дерева Macassar.

Фабрика «Плейель» поставляла свои инструменты ещё Фредерику Шопену. Её рояли просто идеальны для исполнения классического репертуара. И хотя современные пианисты часто отдают предпочтение инструментам других фирм (например, Steinway), тем не менее, нетипичная фабрика «Плейель» привлекает многих ценителей хороших инструментов, являясь воплощением французской исключительности.

Основатель и танцор группы Вартан Бассил (Vartan Bassil) считает проект большим вызовом. Танцуя хип-хоп, танцоры ритмично двигаются под такты барабана. А под музыку Баха они должны трансформировать в движения более мягкие звуки, выразить в хореографии идущее от музыки переживание.

В основе брейкданса лежат техника и акробатические фигуры, сочетание индивидуальных движений. Но в 70-минутном спектакле под названием «Флаинг Бах» брейкеры стремятся подчеркнуть в хореографии музыкальное переживание. Здесь философия хип-хопа встречается с классическим гением.

Вартан и его товарищи так смешивают стили уличных танцев, что иногда брейкданс приобретает характер чего-то совершенно нового. Замысловатые фигуры, которые проделывают на ковре танцоры, сопровождают художественные подвиги живущей в Берлине японской танцовщицы Йюи Кавагучи (Yui Kawaguchi).

Ритмичности зрелищу придают видео инсталляции артиста Марко Моо (Marco Moo), проецируя картины на стены и на белую простыню, которую держат танцовщики.

Режиссер «Флаинг Баха» немец Кристоф Хагел не новичок в реализации «смещенных» проектов, ему нравится показывать оперы Моцарта в необычных местах. Он уже демонстрировал «Дон Жуана» в промышленном павильоне и «Волшебную флейту» со скейтбордами и видеоклипами на станции метро Бундестаг.

Режиссер своей постановкой хочет показать, что музыка Баха полна энергии, а хип-хоп может быть прекрасным искусством. Он намеренно оставался в стороне от хореографии, его работа заключалась в том, чтобы объяснить музыку, дать понять танцорам, как композиции Баха утончены. Этот эксперимент наводит на мысль, что брейкданс подходит к музыке немецкого композитора лучше балета.

Команда «Флаинг Степс» слушает и исполняет незатейливую музыку. Она удивляет своей энергией и прямым стилем, совсем не похожим на то, что демонстрируют высокие сферы культурной элиты.

Французские радиостанции «Франс Интер» и «Европа 1» пошли на такую авантюру в 2007 году по случаю президентских выборов. Первая снимала кандидатов, приглашенных сделать обзор утренней прессы, а вторая — интервью с каждым из претендентов на высший пост. Видеоролики самой передовой в этом направлении «Франс Интер», включая сайт «Dailymotion», более чем за год были просмотрены 20 млн. человек.

Основная цель — затронуть ту часть аудитории, которая обычно не слушает радио. Возраст двух третей тех, кто смотрит видео «Франс Интер» — 15−35 лет, но при этом они радио не конкуренты. Наоборот, радиостанции удалось привлечь молодежь, которая теперь слушает по радио утренние передачи. В итоге посетители сайта «Dailymotion» слегка «постарели», а слушатели радиостанций — «помолодели».

На первом французском радио-сайте «RTL» стратегия немного другая, но полностью себя оправдывает, привлекая в месяц порядка 2,4 млн. посетителей. Сайт остается верным своему базовому принципу — отдавать приоритет магии радио, не умалять власть голоса перед силой зрительного образа. Звук составляет на сайте 95% всего контента.

Если хорошее политическое видеоинтервью просматривается аудиторией в 3−4 тысячи человек, то, например, видеообзор радиожурналиста на «Dailymotion» может похвастаться 8 000 просмотров. И это несмотря на то, что радио-видео формат пока находится в положении гаджета, поскольку сайты постоянно внедряют разные дополнительные средства, пытаясь выделиться на фоне конкурентов.

Так, в конце января новый сайт «Европы 1» предложил своей аудитории настоящие мини-телепрограммы и юмористические передачи. С начала 2009 года радиостанция неуклонно пополняет свой каталог видео-контентом, поскольку короткометражное видео прекрасно «вплетается» во всемирную паутину.

Одна из самых сложных дисциплин в школе — импровизационные упражнения с микрофоном. Студенты — кто скромно, кто полный уверенности — по очереди демонстрируют свои умения перед «танцполом», на котором их товарищи изображают разгоряченную публику. Строгий преподаватель комментирует каждый отрывок: «здесь не хватает энергии», «у тебя закрытое лицо», «ты слишком замкнут», «следи, чтобы тебя легко было слушать» и т. д.

Оправдания типа «я ещё не разогрелся» быстро пресекаются после первых же наказаний: самые невнимательные должны двадцать раз отжаться от пола. Такие меры вводятся для того чтобы будущие ди-джеи научились отличать праздник от работы. Из всех учеников, набранных на конкурсной основе, через 18 месяцев диплом «музыкального и сценического ведущего», соответствующий уровню бакалавра, получат лишь 60−65%.

В выпускной экзамен входят зачеты по «миксу», информатике, свету, электронике, сценографии, видео и музыкальной культуре. Вся эта эклектика тут же закрепляется в соседней аудитории, где ученики в конце занятий отшлифовывают 15-минутные «сеты» по категориям диско-фанк, поп-рок, электро-хаус и эйренби, которые затем показывают жюри профессионалов.

«Ученики должны полностью контролировать свои действия и соблюдать последовательность в 8, 16 или 32 такта в зависимости от музыкального жанра, а не запускать композицию наобум», объясняет один из преподавателей Филипп Маркотти (Philippe Marcotti), окончивший эту же школу в 2007 году.

После освоения техники следует стажировка, во время которой все ученики получают зарплату от своего работодателя. Преподаватели мастерства ди-джея отмечают, что просто крутить любимую музыку недостаточно. В этом деле нужно быть наблюдателем, всегда учитывать особенности места, концепции, публики.

Многообразие выбираемых путей соответствует многообразию развлекательных заведений. Одни выпускники остаются в клубе, где проходили стажировку, другие же заключают контракты с другими заведениями, специализируются на проведении свадеб или выпускают альбомы. Но все они убеждены в том, что суровая школа ди-джеев дает отличную возможность достичь творческой реализации и обеспечить себе достойную жизнь.

И в этом случае самый лучший способ доставить себе удовольствие — выбрать для той же записи лучший звуковой формат. На сегодняшний день можно выделить пять основных форматов аудиофайлов: AAC, WMA, MP3, Wav et Ogg. Какой же из этих форматов обеспечивает лучшее воспроизведение? Ранее, когда музыку воспроизводила грампластинка, такого выбора не было.

Этим вопросом и задался посвященный классической музыке французский сайт Musiclassics, решив модернизировать свой интерфейс. Чтобы получить наиболее достоверный ответ, сайт пригласил 15 человек (блоггеров, музыкантов и просто меломанов) на сеанс прослушивания в профессиональную студию звукозаписи. Они должны были оценить по шкале от 1 до 5 баллов качество 4 разных музыкальных отрывков (пение, скрипка, пианино, оркестр и хор). Записаны они были в шести форматах — MP3 320 Kбит/с, Wav, WMA 192 Kбит/с и 320 Kбит/с, AAC 192 Kбит/с и 320 Kбит/с.

В результате самую плохую оценку (3,1) со значительным отрывом получил формат MP3, даже сжатый до 320 Kбит/с. На предпоследнем месте оказался файл Wav (качество CD) — 3,5. Удивительно, но его опередили по качеству форматы WMA 192 Kбит/с (3,7) и AAC 192 Kбит/с и 320 Kбит/с (3,8). Наивысшая же оценка — 4,0 — досталась файлу WMA 320 Kбит/с. Оказалось, что для потребителя лучше выбрать файлы AAC или WMA 192 Kбит/с, чем MP3 320 Kбит/с и тем более MP3 192 Kбит/с.

Но этот вывод не универсален. Окончательный ответ может дать лишь используемое оборудование. Тот же сайт предоставил пользователям те же записи в 6 форматах, чтобы они прослушали их на своей личной аппаратуре. Перед участниками поставили задачу определить, какой из файлов имеет качество CD (Wav). И что же? Из 200 человек почти никому не удалось отличить разные форматы при прослушивании на домашней аппаратуре. А качество MP3 320 Kбит/с даже приняли за качество CD.

В таких непростых случаях музыканту просто необходим саунд-продюсер. Именно он, учтя все пожелания артиста, безошибочно уловит настроение его песни или альбома, чтобы выбрать нужные методы и технологии работы со звуком и держать под контролем весь процесс создания проекта.

Если это профессионал своего дела, то он хорошо разбирается в особенностях инструментов, которые используются в аранжировке, прекрасно ориентируется в музыкальных течениях, знает «фишки» разных музыкальных стилей, хитрые приемы пения, различные вокальные техники, что позволяет правильно расставлять акценты при записи трека. Также он хорошо знаком с игрой сессионных музыкантов и может точно определить, игра какого музыканта больше подойдет для рока, а какого — для электронной музыки. Разбирается он и в особенностях актерского мастерства. И, наконец, он всегда в курсе самых последних веяний музыкальной индустрии, что дает ему возможность не использовать неработающие приемы и методики. Сделать проект хорошо продаваемым — основная задача саунд-продюсера, а успех проекта напрямую зависит от умения учитывать ситуацию на музыкальном рынке.

Работа профессионала на первый взгляд незаметна. Он все делает так, как будто все происходит само собой, и поэтому создается впечатление, что в этом нет ничего сложного. Но стоит дилетанту самому взяться за дело — и ничего не получается. Вот почему стоит подумать, не лучше ли отдать дело в руки профессионала. Такое мудрое решение почти всегда существенно сокращает производственные затраты, поскольку все участники процесса уверенно идут прямо к цели. Не говоря уже о том, как помогает сберечь нервы и силы для творчества отсутствие бесконечных переделок.

Если Вы обращаетесь к неизвестному продюсеру, поинтересуйтесь, есть ли сделанные им успешные проекты. Если нет — попросите дать послушать те, которые он создал, пусть даже они и не стали популярны. Стоит помнить о том, что человек, у которого нет ни одного состоявшегося проекта — не продюсер.

Исполнитель же со своей стороны должен обладать хорошим профессиональным уровнем и качественным материалом. Ведь из плохого материала не может получиться хорошего проекта, даже если продюсер будет гением. Последнее слово все равно остается за публикой. Поэтому бедные, но талантливые исполнители всегда имеют шанс встретить серьезного продюсера, который возьмется за их проект.

Оценку талантливости и качества материала молодого исполнителя тоже дает продюсер. Все, что может сделать музыкант для развития своего проекта — это показать продюсеру свой демонстрационный диск или спеть вживую. Для хорошего продюсера этого будет вполне достаточно, чтобы решить, стоит ему браться за проект или нет.

Ну, а если хорошего продюсера найти не удалось, то артисту не остается ничего другого, как только стать продюсером самому. И тогда он сам должен будете находить все те «изюминки» в своих произведениях, благодаря которым его проект станет популярным и любимым публикой.

Начиная с середины 1970-х годов божественное дыхание этого трубача, родившегося в 1937 году в Мемфисе, заставляет голубую ноту плыть по безбрежному пространству. Будучи человеком действия, а не пустых теорий, Хассел начал звуковую революцию с «Vernal Equinox» - магического альбома, объединившего джаз, эмбиент и ворлд-мьюзик. Как и поздний Майл Дэвис, бесстрашный музыкант отмахнется от нелепого гнева пуристов, которые станут упрекать его в сочетании звука трубы со звуком электронных инструментов. Эта непреклонность позволит ему тремя десятилетиями позднее продемонстрировать, что его путь был безупречным. За всю свою музыкальную одиссею, отмеченную встречами с такими метрами современной музыки, как Янис Ксенакис, Ла Монте Янг, Терри Райли, Стив Райх, Джон Кейдж и Карлхайнц Штокхаузен, американский музыкант сумел внести в уши широкой публики свою гипнотическую игру.

Не удовлетворившись работой с вышеупомянутыми ювелирами, он записал с родоначальником стиля ембиент Брайаном Эно альбомы «Fourth World. Volume I: Possible Musics» и «Power Spot». Параллельно с личной дискографией, его слышали и на дисках «Токинг Хедс», Баба Маала и Бьорк.

В довершение всего Хассел выпустил в этом году один из своих самых чарующих и понятных альбомов: «Last Night the Moon Came Dropping Its Clothes in the Street». Предложенный знаменитым джазовым лейблом ECM, этот альбом с каждым прослушиванием входит в душу мягким, незабываемым электро-джазовым сном, далеким от человеческого безумия и искусственной музыки.

Леворукость долго казалась обществу подозрительной. Ещё со времен Античности правая сторона символизировала добро, красоту, а левая – зло и беду. Образованные китайцы специально отращивали ногти на левой руке, чтобы лишить себя возможности ей пользоваться.

На Западе левая рука (по-латыни sinistra – неправильная) часто ассоциировалась с крайне негативной символикой; вот почему в былые времена была тенденция систематически переделывать левшей в правшей, и проделывалось это не слишком умело: например, левую руку привязывали к спине. Легче ли смириться с функциональным превосходством одной половины тела над другой, когда существует возможность сравнить себя с Юлием Цезарем или Джимми Хендриксом?

Большинство вещей сделаны для правшей. В число этих коварных инструментов, с которыми левша ежедневно борется, входят ножницы, консервные ножи, штопоры, компьютерные мышки и … все музыкальные инструменты. Да, все!

Леворукость больше значима для музыкантов, чем для композиторов. Ведь партитура концерто для левой руки вполне может быть написана правой, а вот исполнение этого концерто правой рукой может создать проблемы технического характера. 

Традиционно считается, что левшой был Бах. Однако речь идёт не об Иоганне-Себастьяне Бахе, а об одном из его сыновей Карле Филиппе Эммануэле, известном одним лишь меломанам! 

К левшам относят Людвига Ван-Бетховена. Однако утверждение его биографа А. Ф. Шиндлера никто никогда не подтвердил, а сам Шиндлер не отличался особой скрупулезностью в изложении биографии композитора. 

Предположительно левшой был и Моцарт. Однако правомерно ли говорить о праворукости или леворукости пианиста, у которого по роду деятельности обе руки должны быть совершенно независимыми? Тогда уж вернее сказать «одинаково владеющий обеими руками».

Венгерский пианист и педагог Геза Лозо, изобретатель первого рояля для левшей, говорил, что левша может технически хорошо играть правой рукой. Но при этом теряется переживание игры. Поэтому для достижения правильной экспрессии Моцарт почти в каждой второй сонате играл со скрещенными руками! 

Предположительно был левшой гениальный скрипач и композитор Никколо Паганини. Его композиции, в частности «24 каприса для скрипки соло» внесли свой вклад в развитие техники этого инструмента с использованием смешанной техники пиццикато и арко (выполнение пиццикато левой рукой).

В этом же списке мы находим русского композитора Сергея Рахманинова. Его так называемая леворукость неизменно связывается со способностью охватить левой рукой 12 белых клавиш, то есть октаву с половиной. Но как этот факт доказывает леворукость – непонятно. Относительно размера его рук кто-то однажды сказал, что нужно благодарить Бога за то, что Рахманинов не написал никакой музыки для одной руки. С таким охватом он был бы единственным человеком в мире, кто мог бы её сыграть.

Есть целая группа композиторов, ставших левшами поневоле. К ним относится Роберт Шуман, который, считая, что слишком медленно развивается как пианист, придумал приспособление для тренировки независимости пальцев, в результате чего средний палец его правой руки парализовало. И мечте о виртуозности пришел конец.
У голландского пианиста и композитора Кор де Грота в 45 лет парализовало руку. И 34 года он играл репертуар для левой руки, самостоятельно сделав более 80 аранжировок.

А где же настоящие левши? Представьте себе, их очень мало. В мире правшей они научились играть, как все, осваивая сделанные для правшей инструменты. Принимая во внимание то, что инструменты созданы для правшей, возникает проблема размещения музыкантов в оркестре. Стоит представить себе на мгновение скрипача-левшу, сидящего напротив скрипача-правши. Они очень скоро скрестят шпаги. Пардон - смычки!

«Майл, почему Вы играете вновь и вновь? – Из-за денег, дружище!» Высокомерный, он становился гениальным, стоило ему заткнуть свою трубу, чтобы выдуть таинственный звук. Он создавал атмосферу то легкую, то яростную, игнорировал правила, грубил своим партнерам, позволял себе многие шалости.

Какая тайна, какой дар, какая звуковая химия сделали Майла Дэвиса самым великим среди всех, самым харизматичным, самым загадочным? У него не было ни яркости Кларка Терри, ни словоохотливости Диззи Гиллеспи, но с 18 лет он всегда окружен более великими, чем сам: Паркер, Роллинз, Монк, Колтрейн. Равняясь на них, он нашел свой особый путь. 

Там, где угас Чет Бейкер, Майл чудом сумел завязать с наркотиками и с блеском вернуться на мировую сцену. «У меня шрамы по всему телу, - признавался он в своей автобиографии, - они свидетельствуют о том, что я победил зло».

Он долго царствовал над музыкой, для которой открыл новые горизонты. Он расширял границы, разбивая голову о стену в свой самый радикальный период – время работы над альбомом In a Silent Way (1969). Все искусство этого волшебника было неутомимым поиском красоты, жизненной потребностью возрождаться каждое мгновение.

Стиль Майла Дэвиса был отважным, сверкающим, энергичным, злобным, иногда непроницаемым, но никогда – безразличным. Он всегда опережал дух времени. В 1949 году он подписывает с арнжировщиком и дирижером Гилом Эвансом манифест о современности – «Birth of the Cool» – и с триумфом даёт свой первый парижский концерт в Зале Плейеля. Он прожигает ночи в кабаре Сен-Жермен и, между делом, за ночь сочиняет гипнотическую музыку к фильму Луи Маля «Лифт на эшафот». Через 10 лет, создав квинтет с Джоном Колтрейном, он записывает с выдающимися пианистами Билом Эвансом и Уинтоном Келли ещё один шедевр – «Kind of Blue».

Наделенный невероятным чутьем на молодые таланты, Майл Дэвис открывал их им самим. «Играй не то, что ты знаешь, а то, чего не знаешь», учил он их. Они будут рядом с ним на каждом витке, при каждом озарении. И сегодня они продолжают идти по пути смешения жанров, проложенному их мэтром.

До конца своей жизни Майл Дэвис неутомимо развивал это третье направление: музыка в постоянном движении, между двоичными ритмами и синкопами, между групповыми импровизациями и поиском стиля. Главный альбом после его возвращения в 1981 году назывался «The Man with the Horn” (Человек с трубой). В нем был сконцентрирован острый, язвительный, огненный джаз, заигрывающий с ритмами фанка и эйрэнби. 

«Человек и его труба» - пожалуй, это лучшее определение нестираемого образа, оставшегося от Майла Дэвиса.

Хотя происхождение музыкальной пилы доподлинно неизвестно, существует предположение, что это французские лесорубы превратили её в музыкальный инструмент, чтобы коротать долгие ночи в лесу. К 1870 году благодаря развитию металлургии научились делать пилы с приемлемым звучанием. В 1900-х годах впервые были сделаны настоящие «звуковые лезвия», унаследованные от ручных пил. Им отрезали зубья и изменяли форму и рукоятку. К некоторым добавили «изогнутую рукоятку» для большего удобства и виртуозности. Американские музыкальные пилы никогда не теряли своих зубьев, но были ограничены в звуковом диапазоне: от 1½ до 2½ октав максимум, тогда как некоторые европейские музыкальные пилы могут достигать 3½ и даже больше. Чтобы добиться таких музыкальных качеств, конечно, закаленная сталь должна быть превосходного качества и иметь определенные параметры.
К середине 1900-х годов пила стала популярной в мюзик-холлах и водевилях. На ней даже играла Марлен Дитрих. Можно сказать, что музыкальная пила признана настоящим музыкальным инструментом благодаря Анри Соге (Henry Sauguet) и его пьесе «Стон». Современная квебекская фольклорная группа «Улыбающийся ботинок» иногда использует пилу на концертах, а клоун Шоколад играет на ней, чтобы развлечь молодежь. 

Музыкальная пила никого не оставляет равнодушным. Она удивляет, волнует, веселит, дрожит сама и вызывает дрожь в других. Бельгийский скрипач Жан-Клод Вельш (Jean-Claude WELCHE) – один из редчайших музыкантов, играющих на этом инструменте, - признался, что, услышав впервые звук музыкальной пилы, заплакал. Этот малоизвестный инструмент покорил его своей удивительной экспрессивностью. Каждое выступление Вельша имеет головокружительный успех у публики, которой он стремится передать свою страсть к игре на этом удивительном музыкальном инструменте. 

Для игры на пиле нужно зажать рукоятку коленями и согнуть лезвие рукой так, чтобы оно приняло форму латинской буквы «S», а другой рукой водить по лезвию скрипичным смычком. Жан-Клод Вельш обучает на своих курсах массе полезных вещей: как согласовывать музыкальные фрагменты, играть на пилах ансамблем, разными голосами, отрабатывать фразировку ударами смычка, импровизировать, плавно вводить пилу в произведение, выбирать хорошую пилу, создавать всевозможные шумовые оформления. 

Существуют разные виды пил, разные позиции и способы игры, имеющие свои преимущества и недостатки. Каждый «пилист» должен найти технику, которая ему подходит. На пиле можно играть громко, тихо, быстро, добиваться разных оттенков звука.

И хотя музыкальная пила в настоящее время всё ещё относится к диковинным музыкальным инструментам, но, возможно, когда-нибудь молодые люди будут хотеть научиться играть на ней не меньше, чем на пианино!

Это “The Kings” – альбом 1969 г. Рок-опера «Артур», “The Who” – две рок-оперы – “Tommy” 1969, «Квадрофрения» 1973г. К рок-опере обращаются композиторы профессионалы, которые работают в сфере академической музыки. Крупные жанры были и до рока. Скотт Джоплин «Почетный гость» 1903г., «Тремониша» 1911г. Джордж Гершвин «Порги и бес» 1935г., «135 улица» 1923г.

Среди жанров, которые предшествовали рок-опере является и мьюзикл. Во многом рок-опера – это мьюзикл, замешанный на рок стилистике (Леонардо Бернстайн «Вестсайдская история» начало 70-х). Непосредственными родителями рок-оперы являются “Hair” Марк Дермол. Этот рок-мьюзикл был поставлен на Бродвее в 1967г. «Любовный рок-мьюзикл» по мнению автора. Главные герои – хиппи. Точное название рок-опера получила постановка «Госпел» 1971г. композитор Шварц Тейблейн. Попытка объединить Евангелие с современными сюжетами.

«Иисус Христос суперзвезда» Эндрю Ллойд Вебер, либретто Тима Райза. Эта рок-опера в начале была студийным вариантом (лето 70 г.). Постановка на Бродвее – октябрь 1971г. В Лондоне – сентябрь 1972г. В главной роли был Гилан. Эта рок-опера приближена к оперным канонам. В ней есть увертюра, где звучат основные темы и лейттемы.

В классическом стиле обозначаются характеристики главных лиц. Очень много арий, дуэтов, ансамблей, речитативов, хоровых эпизодов. Музыкальный образ каждого героя решался по своему, с использованием средств симфонического оркестра и рок-группы. Эндрю Ллойд Вебер оказал огромное влияние на развитие жанра мюзикл. Его отец – профессиональный музыкант. Эндрю поступил в Оксфорд на историка, но через год бросил. В 1960-е в Америке рок-мюзикл стал прибыльным делом, благодаря Веберу. Написал также мюзикл «Кошки». В своем творчестве использовал весь арсенал средств поп музыки, используя рок-стилистику.

Современные направления развития мюзикла в одинаковой степени эксплуатируют утешительные сказки, любовные истории и драмы.

Итак, вопросом о том, как подобрать электрогитару, как правило, задается начинающий музыкант. Что же можно посоветовать молодому гитаристу? Прежде всего, хочется вспомнить слова Джимми Хендрикса о том, что выбор гитары — это интимнейший вопрос, который не терпит халатного отношения со стороны и требует серьезного внимания и сосредоточения.

Но как включить эти внимание и сосредоточение в отношении начальной ценовой категории? В каком-то смысле всё достаточно просто, ведь недорогие инструменты, представленные на полках магазинов, как правило, представляют собой лишь копии именитых моделей, на которых играют именитые музыканты.

Но на предмет формы инструмента, наверняка уже есть определенность. Гораздо сложнее определиться с тем как он звучит. Ведь для начального опыта игры будет разумнее пожертвовать внешним видом в пользу качества звучания инструмента, а не наоборот. Хотя, можно понять людей, которые купят инструмент любимой формы, как бы он не звучал, за неимением возможности купить дорогостоящий оригинал. Конечно, привязанность к форме инструмента — это не простота характера, а выражение творческой сознательности и целеустремленности.

Теперь приблизимся к моменту выбора инструмента — на что обратить внимание? Обратить внимание следует, прежде всего, на электронику и состояние грифа. Гриф, при взгляде на него со стороны электроники, с расположенностью гитары торцом к нам — не должен предъявлять признаков кривизны.

Звукосниматели также очень сильно определяют звучание гитары как её деревянная часть, поэтому нужно знать, что есть две основных разновидности звукоснимателей — синглы и хамбакеры. Сингл — одинарный звукосниматель, а хамбакер двойной. Отличаются они в самом общем смысле тем, что как любят говорить продавцы — хамбакеры больше подойдут длля тяжелых стилей и игры рифами, когда синглы, напротив, подходят для легкого жанра и джаза. Это не вполне адекватно, но внешне как-то отражает суть действительности.

Обязательно, выбирая гитару, послушайте её в магазине, потребуйте у продавца дать вам лично опробовать инструмент. Не примените возможностью поиграть через разные комбоусилители, это тоже позволит вам получше узнать инструмент. Также попробуйте поиграть через гитарные эффекты, попросив об этом продавца.

Внимательно послушайте, как звучит гитара с перегрузом и на чистом звуке — сравните в этом отношении инструменты разной ценовой категории и альтернативные варианты. Такой комплексный подход к выбору инструмента позволит вам подобрать хороший вариант для освоения электрогитары.